No documentário O Diabo Veste Prada: Viagem para as Telonas, somos levados para os bastidores da produção desse clássico moderno, que teve suas origens na literatura e se tornou famoso principalmente pela performance icônica de Meryl Streep no papel de Miranda Priestly. O filme não apenas aborda os dilemas e a dinâmica do mundo da moda, mas também revela uma narrativa mais profunda sobre o amadurecimento pessoal da protagonista, Andy Sachs, interpretada por Anne Hathaway. O diretor David Frankel destaca que a história trata do crescimento e da transformação da personagem, à medida que ela navega pelas complexidades de sua carreira e suas aspirações.
Um ponto crucial mencionado no documentário é a importância de manter o “tom” do material literário original, mesmo diante das diversas mudanças inerentes ao processo de tradução intersemiótica que ocorre ao adaptar um livro para o cinema. Frankel e sua equipe se esforçaram para preservar a essência e a mensagem central da obra, garantindo que a transição para as telonas não comprometa a profundidade e a nuance da história. Essa abordagem ajuda a criar uma conexão emocional com o público, mantendo a integridade da narrativa e explorando as experiências universais de crescimento e descoberta que ressoam na vida de muitas mulheres. Assim, o documentário não apenas celebra a produção da narrativa, mas também reflete sobre os “temas universais” que o tornam um filme tão duradouro e relevante.
No processo de composição de O Diabo Veste Prada, os realizadores tomaram a decisão de apresentar uma versão de Miranda Priestly menos sombria do que a retratada no livro, buscando evitar a criação de uma personagem unidimensional. Essa escolha reflete a intenção de adicionar camadas à personagem, permitindo que momentos de vulnerabilidade emergissem, como demonstrado em uma de suas breves interações durante a cena em Paris. Essas nuances humanas ajudam a torná-la mais complexa e interessante, ao mesmo tempo em que desafiam as expectativas do público sobre a figura de uma chefe autoritária.
A busca por um roteirista que conseguisse captar o tom desejado para o filme foi longa e desafiadora, levando quase três anos. A produtora Wendy Finerman passou por várias tentativas até encontrar o texto certo com Aline Brosh McKenna, que se mostrou capaz de mesclar humor e profundidade, equacionando a leveza necessária com a seriedade dos temas explorados. Essa colaboração foi crucial para criar um roteiro que não só respeitasse a essência do livro, mas que também proporcionasse uma narrativa rica que ressoasse com o público, contribuindo para o sucesso duradouro do filme. Assim, a escolha do tom e a caracterização de Miranda Priestly tornaram-se elementos centrais na construção da história, elevando a narrativa a uma camada de sofisticação que agrada tanto espectadores quanto críticos.
Muito interessante é o destaque que o diretor dá ao seu aprendizado em Sex and The City na entrada para assumir um filme que ganhou tanta repercussão. Tanto a série quanto o filme apresentam personagens femininas fortes e complexas que enfrentam os desafios da carreira e da vida pessoal em um ambiente urbano. Carrie Bradshaw, Miranda Hobbes, Charlotte York e Samantha Jones, protagonistas da produção televisiva, são mulheres que, apesar de seus diferentes estilos e personalidades, buscam liberdade e autoafirmação em um mundo dominado por normas sociais. Da mesma forma, Andy Sachs, a protagonista de O Diabo Veste Prada, é uma jovem jornalista que enfrenta grandes desafios em um cargo que inicialmente parece ser um sonho, mas rapidamente se transforma em um pesadelo. Ambas as narrativas exploram o dilema entre a ambição e a vida pessoal, um eco claro das tensões enfrentadas pelas mulheres contemporâneas.
Além disso, o cenário de Nova York nas duas obras desempenha um papel fundamental. A cidade é quase um personagem à parte, simbolizando oportunidades, desafios e a luta constante pela aceitação. Enquanto Sex and the City celebra a cidade como um playground de possibilidades, O Diabo Veste Prada a retrata como um campo de batalha onde a estética e a moda se tornam moedas de troca no mundo corporativo. A cidade, assim, molda o comportamento das personagens, refletindo suas escolhas e dilemas. Outro aspecto importante a se considerar é a dinâmica de amizade e solidariedade feminina. Na série, as relações entre as protagonistas são profundas e complexas, abordando temas de amor, traição, e o apoio incondicional mesmo em momentos difíceis. Já o filme faz uma abordagem mais solitária da experiência feminina, focando na jornada de Andy e sua crescente alienação à medida que a pressão do trabalho aumenta.
A moda, como elemento central das duas produções, também serve como um elo entre elas. Sex and the City torna a moda um símbolo de identidade, com costumes que refletem as personalidades de cada personagem, enquanto O Diabo Veste Prada eleva a moda ao status de poder e controle. O filme, através da transformação de Andy, destaca como as aparências podem afetar a percepção de uma pessoa no local de trabalho. Essa relação dual entre moda e identidade é uma reflexão das pressões sociais contemporâneas, que exigem não apenas a adequação estética, mas também um comportamento moldado pelos padrões da indústria. Os processos de autoafirmação das personagens femininas são um tema unificador. Enquanto as quatro amigas da série navegam pela vida buscando definir suas identidades, Andy passa por uma jornada de autodescoberta que a leva a questionar o que realmente valoriza. A transformação de Andy de uma jovem despretensiosa para uma figura mais refinada e, finalmente, para uma mulher que reivindica seu valor verdadeiro, ecoa o crescimento e a evolução das amigas da série. Ambas as narrativas promovem a ideia de que as mulheres podem, e devem, definir suas próprias histórias e identidades, apesar das pressões externas.
Ademais, um dos pontos centrais da obra é a forma como a moda é apresentada como um meio de expressão e afirmação de identidade. Desde o início da narrativa, a personagem de Andy é caracterizada por suas roupas simples e despretensiosas, em contraste com as roupas luxuosas e sofisticadas das outras funcionárias da Runway. Essa disparidade não apenas visual, mas também simbólica, reflete o conceito de que a moda é uma linguagem através da qual as pessoas comunicam quem são ou aspiram a serem. À medida que a história avança, vemos Andy submeter-se às pressões da indústria da moda, que a incentivam a transformar seu estilo e aparência. Essa mudança não é apenas estética, mas serve como um ponto de virada em sua identidade, levando-a a uma autoimagem mais refinada e, paradoxalmente, mais alienada.
A evolução do guarda-roupa de Andy sugere que o consumo na moda transcende o simples ato de comprar roupas; ele envolve a construção de uma identidade. A moda passa a ser uma forma de assimilação social. Miranda Priestly, interpretada por Meryl Streep, representa o ápice do elitismo da moda. Ela é a personificação da ideia de que a moda é uma questão de status, poder e controle. As personagens que a cercam estão imersas em uma cultura que valoriza a aparência e a marca, fazendo com que a moda se torne uma forma de hierarquia social. O filme ironiza essa busca incessante por validação através do consumo, questionando até que ponto essa cultura pode ser prejudicial à individualidade.
Além disso, O Diabo Veste Prada aborda a noção de que a identidade não é fixa, mas fluída e moldável. A transformação de Andy é emblemática da forma como as experiências de vida e os ambientes sociais podem influenciar a forma como nos vemos. No entanto, essa mudança vem com um custo. À medida que Andy começa a se apropriar dos padrões de beleza e estética da indústria da moda, ela se afasta de suas raízes e valores pessoais, questionando assim o que significa ser autêntico em um mundo onde a imagem é tudo. Sua luta interna reflete a dinâmica de muitos jovens na contemporaneidade, que se deparam com a pressão de se encaixar em padrões de beleza muitas vezes irreais.
A trama também destaca as relações interpessoais dentro do contexto da moda. A amizade de Andy com sua colega de trabalho, Lily, representa a resistência a um sistema que promove a competição e a superficialidade. Lily, que percebe as armadilhas da indústria, serve como um contraponto à transformação de Andy, questionando a importância do estilo de vida que essa nova identidade representa. À medida que Andy se envolve mais profundamente com a cultura da moda, ela se vê em um dilema moral, onde precisa decidir entre sua ambição e suas relações significativas. Essa contradição elucidativa ressalta como a moda pode cair na armadilha do consumismo, levando à perda de conexões genuínas.
O final do filme traz uma resolução que simboliza o equilíbrio entre a ambição pessoal e a autenticidade. Andy decide deixar a Runway, afirmando sua individualidade frente às imposições da indústria. Essa escolha representa uma redescoberta de sua verdadeira identidade, enfatizando que a verdadeira moda deve ser uma extensão do eu e não uma máscara. A obra, portanto, termina com uma mensagem poderosa: a verdadeira identidade não é definida pelo consumo, mas sim pelo conhecimento e aceitação de quem realmente somos. Em linhas gerais, em meio ao entretenimento, o filme é um estudo profundo sobre moda, consumo e identidade, mostrando como essas esferas interagem e se influenciam mutuamente. Através da jornada de Andy, a narrativa revela os desafios e dilemas da modernidade, questionando os custos do consumismo na construção da identidade e enfatizando a importância da autenticidade em um mundo repleto de superficialidades.
A Viagem Para as Telonas: O Diabo Veste Prada (The Trip From Screen: The Devil Wears Prada) – EUA, 2006.
Direção: David Frankel
Roteiro: Alinne Brosh Mckenna, David Frankel
Elenco: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Adrien Grenier, Stanley Tucci, Daniel Sunjata, John Rothman, Simon Baker
Duração: 10 min.
